Licenciados

ESCUELA DE BELLAS ARTES DE VALPARAÍSO; UNA FORMA DE VER Y ENTENDER A TRAVÉS DEL ARTE

La Escuela Municipal de Bellas Artes de Valparaíso es una Institución con 60 años de vida, que cultiva el conocimiento y el quehacer en el área de las Artes Visuales, fomentando el desarrollo de las y los estudiantes con un pensamiento crítico, riguroso, con inquietud por la investigación y creación en las Artes Visuales, centrados en el Arte Contemporáneo

Paulina Pérez.

Ejercicios y bocetos de representación en base a la neuroimagen funcional de cerebro, pensando en descomponer los elementos que componen esta imagen neuronal con función normal, pensando en el exterior como elemento depresor o en stress que transforma una función normal del cerebro, que es abalada por estos estudios de imagenología cerebral. color rojo representa la mayor actividad cerebral. Colores desde el rojo, pasando por naranja, amarillo, verde, azul, negro; pensando en el rojo como mayor actividad cerebral y el negro sin actividad. Se utiliza el cuadrado ya que estas imágenes se generan a partir de un software computacional que traduce la actividad cerebral, es por ello que el cuadrado lo pienso como pixel. Por último, llevo esta traducción del color y la forma “cuadrada” del pixel, pero esta vez integrando fotografías de un sector en específico de Valparaíso, el cual está integrado en un principio en mi estudio, correspondiente a infraestructura ubicada en calle serrano, las que están destruidas o dañadas. La idea es poder trabajar con los colores que se emplean en las neuroimágenes funcionales, pensando en la secuencia, tratando de mostrar como la decadencia de la ciudad podría provocar una decadencia social, específicamente radicada en una actividad radicada a nivel psicológico, por ende, personal y único

Claudia Mashburn.

Este trabajo es parte de la continuación de investigaciones de identidad a través de la materialidad. Comenzó con la observación del cuerpx físico como máscara, como la primera máscara, entendiendo la identidad como la fusión de muchas experiencias, elegidas e impuestas, interpretadas como máscaras en construcción ya que es un proceso mutante. La identidad se puede interpretar desde la expresión material o puede existir en los espacios invisibles de la percepción y los sentires. Como existencias humanas se podría decir que estamos obligadxs a existir a traves del cuerpx, un cuerpx que socialmente se va definiendo por las razas, los géneros, los sexos, las formas, etc. y las concepciones de aquello. Patriarcálmente se construye la identidad en base al cuerpx o lo «biológico» y se establece como algo concreto, fijo y seguro cuando también se puede alterar el cuerpx desde la identidad o de otras formas. No hay una formula que construye la identidad, hay intersecciones continuas. Lxs cuerpxs impresos funcionan como un simulacro, la máscara de la máscara, la copia fotográfica del cuerpx como primera capa, la impresión como segunda y la agrupación del total como la tercera. Esta es la máscara obligada que funciona como un escudo o títere frente al mundo material/social. Cuando se entiende la identidad como algo mutable y el cuerpx como la manifestación de ello, aparece la oportunidad de alterar lo en búsqueda de comodidad. Las pantis como dispositivo se interpretan socialmente como un producto que tapa, alisa y contiene, se podría decir, en la categoría de mujer. Tienen el espacio prefabricado de las formas que contienen. Las pantis también funcionan como falsas pieles que se traducen a máscaras. Esencialmente todo se puede interpretar como una mascara, pero, es distinto cuando la máscara es un producto masivo en serie que se usa sin comprensión de los conceptos sociales arraigados en su origen y que están asociado a algo impuesto como el concepto de mujer. Tomo estas pieles, las rompo y coso aleatoriamente creando una red orgánica desde el movimiento y el impulso. Lo latente se traduce a lo material y ahí encuentro identidades propias. No es necesario expulsarse de lo impuesto, reciclarlo y reformarlo cuántas veces necesarias funciona.

Mario Jorquera

Detalles del paso de La Pintura a la Fotografía y Dispositivo: De los textos leídos puede relacionar los objetivos planteados con el desarrollo de mi trabajo en aspectos técnicos de la obra. Debo comenzar exponiendo que la serie mona lisa tiene un parecido en relación Artista y en relación Modelo con la obra Original, por lo tanto hay una conexión desde lo personal. Entendiendo este proceso es necesario prestar atención a los aspectos históricos y sociales de esta época, exponiendo una realidad avanzada (actual) y comparativa con la obra original (pasado). Para el desarrollo de esta serie me introduje al concepto de cultura (LGTB) y al término “popular” en Valparaíso, logrando extraer la ficción, a la realidad en nuestro contexto. Entendiéndose que la presentación fotográfica o proceso de creación es abierta a todo tipo de espectador de la misma forma que una pintura, con múltiples interpretaciones personales, para llegar a la fotografía hubo todo un proceso previo de conocimiento a través de la pintura, como las perspectivas, la geometría, las profundidades, la luz, color y muchas técnicas aprendidas a lo largo de la historia pictórica, por lo tanto considero que pase a la fotografía como proceso de continuación de la pintura, es la continuidad y depende de cómo se presente la fotografía se definirá si es parte de la pintura o no lo es, otro punto que no sea comercial, no relacionarlo con la Publicidad por ejemplo. El objetivo es transmitir los códigos de la pintura a través de dos formatos. Tiene su propia estética con un juego de luz y sombras, evidenciando un personaje transexual único y especial fuera del tiempo real. Cabe destacar que el artista se conciencia de las necesidades sociales invitando al igual que lo hace una pintura a introducirse al mundo que se expone como un “Arte popular” que se evidencia en un dispositivo con maquillaje, donde el espectador analiza y saca sus ideas, maquillaje que fue seleccionado acorde a la personalidad y contexto que se quiere traducir, son colores brillantes e intensos, gamas de rojos, brochas, elementos que hablan. Existe una conexión entre la pintura y la fotografía, proyecta al espectador a otro mundo, sirviendo de nexo con lo divino. La representación y la presentación toman el mismo significado. El artista sale al exterior y busca un acercamiento al público no especializado. El artista quiere por todos los medios que el espectador penetre en el mundo que se le está ofreciendo creándole una dimensión espacio-temporal totalmente nueva. Pone en el mismo nivel creativo al público. El color, Como sucede en la pintura, se ha de utilizar el color siempre que éste se articule como un lenguaje, y no como un adorno.

Amory Jacomeb.

Las obras a representar tienen como base fundamental una figura <que es él círculo> tomando su carácter cíclico, la representación de los ciclos, observando a su vez la transformación del mismo en cuatro figuras realizadas con la técnica de fundición a la tierra. Su presencia invita a identificar la importancia de lossímbolos, específicamente el círculo ya que es el que contiene todas las formas básicas y así entonces se observará a través del mismo la representación de los cambios y transformaciones donde cada una de las cuatro esculturas va cambiando diversos elementos hasta generar una aparente transformación de la  inicial. El vacío actúa como parte fundamental de la representación dialogando constantemente e involucrando al entorno para generar un lugar de integración representando en sí mismo, la importancia de cada ciclo. La representación de movimiento en nuestra vida, de los cambios continuos, constantes y curvos que se nos presentan la que platica a su vez desde lo personal a lo colectivo. Las experiencias parecen individuales pero el círculo como representación de nuestro movimiento tanto físico como inmaterial nos hace recordar el poder del símbolo.

Cecilia Alba

Soy una artista visual que navega los mares de la pintura, llegando a veces a tocar el puerto de la tridimensionalidad con la materia. Mezclo pasión e intelecto, capricho y perseverancia. Enamorada de la moda, fui a Italia para aprender sus secretos y me gradué como Fashion Designer. Las maravillas artísticas que contemplaron mis ojos, me llevaron a realizar estudios en la Accademia di Belle Arti di Brera, en Milán, dejando plasmada en mí la eterna búsqueda de la belleza y la elegancia. La Escuela de Bellas Artes de Valparaíso con gran generosidad me lo dio todo: el carácter, la fuerza, la técnica, la magia de la reflexión filosófica y me permitió viajar por los infinitos rincones de la historia. Debido a mi profundo cariño por Chile – porque soy peruana – en esta oportunidad, a través del arte, he querido evidenciar un problema que afecta a este país y a muchos otros, que se refiere a la contaminación de dióxido de carbono y su consecuencia de caos, sacrificio, desesperación y muerte.

Natalie Ortiz

Licenciada en arte mención Pintura

Ricardo Hernández

El lugar de interés es el territorio que rodea a la Iglesia La Matriz en el sector puerto de Valparaíso. Chile. La Iglesia se encuentra flanqueada por un lado por la Escuela Básica Santa Ana y por su lado opuesto por el Comedor 421, dependiente de la misma iglesia y que actúa también como lugar de refugio para gente en situación de calle. En aquel escenario se pueden identificar claramente dos situaciones contrapuestas. Por una parte, en el sector aledaño al refugio de la Iglesia Católica llamado Comedor 421, se desarrollan escenas de violencia protagonizadas por prostitutas, adictos, ebrios y traficantes de pasta base. Inmediatamente al frente, está el ingreso de estudiantes de la Escuela Básica Santa Ana, que actúa como un refugio de formación e instrucción para niños del sector. Teniendo como tema central la violencia desarrollada en este territorio, que actúa de escenario y a su vez a los escolares que son espectadores de estas escenas, la intención es identificar los lugares (sitios) de delincuencia o descomposición social, en un símil a la identificación del tejido necrótico en un cuerpo humano que ha sido violentado

Luciano ríos

A lo largo de la historia se han vivido y seguimos viviendo grandes episodios llenos de conflictos donde la principal forma de opresión contra las masas es la violencia y el miedo. La violencia es considerada como una de las maneras de represión más eficientes por las consecuencias que presenta en la victima tanto físicas como psicológicas. Es esta la forma de neutralizar, doblegar y dividir a la sociedad arrebata ideas, ideales, convicciones y anhelos con brutalidad, dejando vulnerables y temerosos a quien se reprime para así imponer medidas extremas en beneficio de las clases en el poder. No dejemos que desarmen nuestro bloque, no dejemos que dividan a nuestras comunidades, no dejemos que nos separen y nos pongan uno contra el otro, no dejemos que nos domine la competencia, juntos somos más fuertes y a eso le temen, por eso nos quieren divididos y con miedo.